Poteva essere un film denuncia, sugli orrori perpetrati dai gerarchi nazisti in Cile, con le efferatezze del regime di Pinochet, il dramma dei desaparecidos, il «piano Condor» e le atroci sperimentazioni condotte da Mengele, “Colonia Dignidad” un insediamento tedesco del dopoguerra in Cile, oggi più noto con il nome di Villa Baviera.
Ma cos’era la «colonia»? Un covo di nazisti che attira, protegge e nasconde decine di nazisti (pedofili) scappati in Cile, Argentina e Paraguay subito dopo la guerra, dai toni messianici e con il dominio assoluto di Schäfer. I bambini vivono separati dai genitori e i mariti dalle mogli. Niente tv, niente telefono, niente elettricità, bandito persino il calendario. «Il capo religioso decide inappellabilmente la vita dei seguaci e si prende cura dei bambini, facendo loro il bagno e “dormendo” con loro. ».
Colonia dignidad si basa sulla storia romanzata di due giovani rivoluzionari ,uno di origine tedesca, sfruttando la storia d’amore l’unica nota interessante è l’inversione dei ruoli, dove Lena va a salvare il suo uomo, mettendo in secondo piano la tragedia di un intero popolo vittima di genocidio, ma tutto ciò non rende il film così interessante.
Un elemento apprezzabile sono le canzoni conosciutissime, che sottolineano l’amore tra i due giovani: Try di Janis Joplin, Samaba Pa Ti di Carlos Santana e Ain’t No Sunshine di Bill Whiters
Il regista doveva scegliere se puntare sul film denuncia o sull’intrattenimento, il risultato… né carne né pesce.
Non si tratta della ricostruzione di quanto accadde in realtà nella cittadina di Aurora, bensì di ipotizzare quale può essere il tessuto sociale dove una pazzia del genere può nascere e svilupparsi sino al suo più tragico epilogo. Il film è ambientato in una cittadina americana tipo, in un quartiere della middle class, ormai neppure più tanto WASP (White Anglo Saxon Protestant), fatto di casette tutte simili con i loro pratini curati ed immensi centri commerciali circondati da sconfinati parcheggi.
Se essere è essere percepiti (esse est percipi sosteneva l’empirista britannico George Berkeley) nessuno in questo film ha la certezza di esistere, neppure la madre seduta sul divano ad un accorto cuscino di distanza dal figlio e sullo sfondo di un doppio specchio che rimanda con un effetto droste l’immagine infinita di un ventilatore a tre pale. Tre sono anche i bulbi luminosi del parcheggio del centro commerciale, che come tre occhi inconsapevoli sono i testimoni muti di quel nulla che accade sotto di loro (e tre occhi ha anche l’inquietante graffito che caratterizza il visual della locandina).
L’occhio è il simbolo chiave che ricorre nel film, come dichiaratamente Sutton annuncia nella prima inquadratura quando ritrae l’occhio di una ragazza che riflette le luci blu e rosse delle auto della polizia, ma è un occhio che guarda e non vede, è uno strumento umano che sembra riconoscere come vere solo la virtualità di un videogame, di google map o di una chat, piuttosto che la realtà non mediata che si svolge dinnanzi a sé. Infatti uno dei personaggi dirà ad un certo punto “le persone non sono reali, solo la natura è reale e pericolosa”. Una sintesi dell’esistenza dove la crudeltà è dover interagire con il reale e l’omicidio è quindi un atto pietoso di liberazione dalla impossibilità di essere percepito. Non meraviglia quindi che ciascuno dei personaggi proposti è più che eleggibile a sterminatore e per questo non è tanto interessante alla fine capire chi in particolare ha compiuto l’eccidio, ma è prendere atto dell’iperbole antropologica proposta da Sutton con un linguaggio filmico di grande livello, basato su immagini e sequenze precise e asciutte senza alcun fronzolo o autocompiacimento per la bella fotografia (che comunque c’è).
